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El cine es, quizás, una de las mejores herramientas para dar cuenta de la vida de artistas o la historia de obras que, con el tiempo, se han constituido como pilares para el desarrollo del arte actual. Las películas que ahondan en los aspectos específicos de un estilo, movimiento artístico o de la vida de un artista, se presentan como el material perfecto para acercarse a historias fascinantes y abrirle la puerta al entendimiento y disfrute del arte…

La revista ‘Exclama’ hizo una selección de cinco películas sobre arte y artistas que definitivamente vale la pena ver. La idea de este recorrido cinematográfico es abordar una serie de periodos, partiendo desde las pinturas rupestres en la cueva de Chauvet, hasta llegar a la época contemporánea; pasando por las primeras décadas del siglo XX en México y por finales de los setenta en Nueva York.

CAVE OF FORGOTTEN DREAMS

Es un documental realizado por Werner Herzog en el 2010. Aquellos familiarizados con el estilo del director alemán, sabrán que la película está cargada de un dramatismo, que, en esta ocasión se debe principalmente a la elección de la música y la narrativa que la acompañan. Durante poco menos de una hora y media, Herzog se adentra en la cueva de Chauvet en Ardèche, Francia, para filmar las pinturas rupestres más antiguas descubiertas hasta el momento. Además, realiza una serie de entrevistas a un equipo de arqueólogos, historiadores del arte y paleontólogos que desde 1994 se han dedicado a estudiar la estructura de la cueva, los huesos encontrados y los patrones de dibujos sobre las formaciones rocosas.

Pese a las difíciles condiciones que Herzog enfrenta a la hora de grabar, las imágenes de las pinturas rupestres y las formaciones de estalactitas resultan impresionantes. El equipo juega con las luces para intentar entender cómo se veían los dibujos a la luz de las antorchas, lo que genera un resultado bellísimo; un movimiento en las figuras que hace alusión a una estampida y por un momento le da vida a lo inanimado. Cave of Forgotten Dreams es un documental muy valioso, no sólo porque evidencia expresiones pictóricas que fueron realizadas sin ningún pre-concepto estético hace miles de millones de años, sino también porque muestra la importancia que la imagen ha tenido para el desarrollo de la sociedad desde el origen de los tiempos.

Entender la relación que los primeros hombres tenían con las imágenes es tarea difícil, sin embargo, las pinturas evidencian el carácter mágico que les era atribuido y que aún hoy poseen. Sin duda, este es uno de esos documentales que abre la puerta a la discusión sobre si los dibujos rupestres se constituyen como la primera expresión artística en existir. En este efecto, vale la pena verlo y construir una opinión con base en la naturaleza de las pinturas, pues así como ignoramos cuál fue el comienzo del lenguaje, también ignoramos cuál fue el del arte, y sólo un verdadero acercamiento a las imágenes y a su función, al mismo tiempo que a los estudios que han permitido entender cómo fueron hechas y cuál era su objetivo, puede esclarecer una de las preguntas que han marcado la Historia del Arte desde su inicio hasta hoy.

FRIDA

Frida es una película dirigida por Julie Taymor y Miramax Films, producida por las compañías Ventana Rosa y Lion Gate Films en el 2002. Este drama que durante dos horas da cuenta de la vida de una de las pintoras mexicanas más importantes del siglo XX: Frida Kahlo, se enfoca principalmente en la fortaleza de la artista frente a su accidente y a su relación con Diego Rivera, uno de los muralistas más destacados de principios del siglo pasado. La historia está basada en el libro que la historiadora estadounidense Hayden Herrera escribió sobre la vida de Frida, lo que se evidencia en la importancia que se le da a los detalles biográficos acerca de su vida sentimental, las consecuencias del incidente que la dejó inválida y el desarrollo de su quehacer artístico.

Uno de los elementos más interesantes y bonitos de la película, más allá de la ventana que abre al conocimiento de la vida de la artista, es la manera en la que las pinturas cobran vida y se fusionan con las escenas de la realidad; se podría decir que en una suerte de intento por llevar la esencia del surrealismo a la pantalla grande. Los colores vibrantes y la textura de los pigmentos se tornan reales a través del stop-motion y se mezclan con los sueños que la protagonista tiene, y a partir de los cuales derivan sus obras. Esto hace que la película oscile entre la realidad y la ilusión, lo que es, finalmente, la característica más fuerte de la obra de Kahlo.

Sin duda, Frida es una película que siembra una semilla de interés con respecto al desarrollo del arte mexicano en las primeras décadas del siglo XX, tanto por el arte de Kahlo como el de su esposo Diego Rivera. Del mismo modo, evidencia la importancia del arte durante la revolución zapatista y de la relación arte-política, que, aún hoy atraviesa las manifestaciones de arte contemporáneo, no sólo en América Latina sino a nivel mundial. Finalmente, la película le da un peso significativo a la influencia que la cultura mexicana y el indigenismo tuvieron en la obra de Frida sin caer en clichés, al mismo tiempo que valora las ideas humanistas que se concibieron en la época y la opinión de la mujer, por más polémica que llegase a ser.

BASQUIAT

Basquiat es una película dirigida por Julian Schnabel en 1996. El drama, de 108 minutos, se enfoca en la vida del artista estadounidense Jean-Michelle Basquiat, quien pasó de vivir en la calle y pintar grafiti bajo el seudónimo de SAMO, a convertirse en uno de los pintores neo-expresionistas más importantes de la década de los 80. El ambiente del filme da cuenta de la época post-punk en Nueva York cuando el arte callejero comenzó a establecerse como una forma de expresión aceptada por las élites, y, por lo tanto, empezó a ser exhibido en las galerías importantes de la ciudad. Schnabel acerca al espectador a un mundo underground en el que pintores y músicos se reunían en lugares como el Mudd Club y en los espacios culturales del Soho, lo que resultó en el surgimiento de una contra-cultura.

El arte de Basquiat se nutre de elementos del expresionismo post-guerra en Estados Unidos, y, además, tiene una fuerte influencia de sus raíces haitianas y puertorriqueñas. Esto, sin duda, abre una cuestión en torno al lugar del artista negro en la sociedad norteamericana de la época, pues a medida que su fama iba creciendo, éste tuvo que verse enfrentado a comentarios y críticas con respecto a su raza que parecían condicionar la forma en la que su arte era interpretado. Dicho esto, Basquiat es una película que vale la pena ver, no sólo por su enfoque biográfico sino también por la inclusión de escenarios, personajes y música que acercan al observador al Nueva York de los 80. Sin embargo, hay que tener en cuenta que puede llegar a ser un poco dura, ya que conforme el artista avanza en la escala de reconocimiento social, también lo hace su adicción a las drogas y sus problemas internos, que, finalmente, son aquello que acaba con su vida a una temprana edad.

EXIT THROUGH THE GIFT SHOP

Exit Through the Gift Shop es un documental dirigido por el artista inglés Banksy en el 2010. Por poco menos de una hora y media, el espectador se adentra en la vida de Thierry Guetta, un francés que vive en Los Ángeles, y que tiene una obsesión por los videos y las películas caseras. Guetta, para su fortuna, resulta ser el primo de uno de los artistas callejeros más reconocidos a nivel mundial: Invader, quien decide llevarlo con él mientras interviene las calles de Francia con sus reconocidos mosaicos de pixeles. Después de un tiempo y de conocer otros renombrados artistas de grafiti como Shepard Fairey, Guetta se obsesiona con las expresiones de arte callejero y expone que desea realizar un documental sobre street art con el único objetivo de conocer a Banksy.

La historia toma un giro inesperado cuando Banksy decide ponerse detrás de cámaras y le pide a Guetta que haga arte, quien, sin ninguna objeción, planea un show de gran magnitud bajo el seudónimo de Mr. Brainwash. Es aquí donde los más sensibles, y sobretodo aquellos que han recibido una educación artística, pueden llegar a sentirse indignados. Guetta o Mr. Brainwash, como quieran llamarlo, consigue vender todas sus piezas a precios exorbitantes y además logra una exclusiva en el L.A. Weekly. Esto, sin duda alguna, abre la discusión en torno a los límites del arte: ¿qué es arte, qué no lo es, y por qué? Del mismo modo, evidencia el funcionamiento del mercado del arte contemporáneo, que, en ocasiones se mueve debido al nombre del artista y no a la calidad de su producción. En este efecto, se podría decir que lo que hace Banksy durante noventa minutos es cuestionar el valor del arte y la validez del mundo en el que éste se mueve.

Exit Through the Gift Shop es un filme que vale la pena ver si se lee entre líneas, pues lo realmente importante está más allá de lo literal. Sin embargo, también resulta significativo si entre sus intereses están el grafiti y las expresiones de arte callejero, pues le muestra al público cómo fueron los inicios de esta práctica que ha ido tomando fuerza con el paso de los años y cuáles fueron sus primeros exponentes. Así, de la mano de grandes como Invader, Ron English, Shepard Fairey e incluso Banksy, es posible entender de qué manera se operaba a la hora de intervenir un espacio público cuando esta acción era completamente ilegal y mucho más difícil de lo que es ahora.

AI WEIWEI: NEVER SORRY

Ai Weiwei: Never Sorry es un documental acerca del artista chino Ai Weiwei, dirigido por Alison Klayman en el 2012. Durante una hora y media, el artista, como protagonista, expone las razones por las cuales decidió convertirse en un activista político tomando el arte como un medio para expresar sus ideas. Si fuera posible definir el filme con una palabra, ésta sin duda sería: fuerte, pues confronta al espectador con imágenes que evidencian el abuso de poder de parte de la policía en China al igual que la corrupción del sistema. La cuestión que atraviesa el guión es: ¿qué pasa cuándo el límite entre arte y política se desvanece por completo?, sobretodo en un país en donde el gobierno apoya la violencia frente a aquellos que no están de acuerdo con su régimen. Al final del documental el espectador obtiene su respuesta, que, siendo poco favorable, plantea una duda acerca del futuro de los artistas que deciden explorar líneas políticas en países en donde claramente no existe la libertad de expresión.

Este documental contiene material que vale la pena ver, más si le interesa la obra de Ai Weiwei, quien, además de velar por los derechos de sus compatriotas, también es uno de los artistas chinos más reconocidos a nivel mundial. Su obra cuestiona la cultura y su evolución, al igual que las políticas sociales de su país, utilizando, en la mayoría de los casos, la repetición como un arma para desproveer de sentido a las cosas. Como parte de su producción, Ai Weiwei realiza una serie de acciones, acompañado siempre por voluntarios que apoyan su causa, con el objetivo de desenmascarar al gobierno Chino, las cuales no lo han privado de ser invitado a una serie de bienales y exposiciones en instituciones culturales de renombre como la Tate Gallery en Londres, el Haus der Kunst en Múnich o el Brooklyn Museum en Nueva York. Sin embargo, sí lo han convertido en víctima de golpes, persecuciones e incluso prohibiciones con respecto a su movimiento en el país, las cuales, gracias a su equipo han quedado grabadas en cámara.

Exclama

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